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以江賢二雕塑作品為靈感所設計而成，以江老師「至聖所」實體鋼製雕塑，分解為三項構件，分別為半透明三角形錐體，半透明折板及布滿孔洞的實體折板。舞台設計打破了傳統劇場的靜態佈局，通過舞台裝置的拆解與重組，成為多層次空間的投影載體，構築出一個富有動態感的多層次空間，讓演員、舞者與樂手在其中自由穿梭，宛如音符般流動。這種設計呈現了空間與時間的交互作用，彷彿每個片段都在一個「音樂與視覺」共同建構的現實中發生，進而創造出一個江賢二畫作轉化為空間的視覺沉浸式體驗，同時呈現超乎想像的光影變化，創造江賢二老師說：「我所有的作品都試圖一直延伸出去。」的多重空間層次與動態流動的延伸感。

設計團隊期待民眾能透過本次劇場作品，感受到光與藝術的深層連結，並引發對自我與自然、精神與空間之間的對話。尤其是在《巴黎聖母院》一幕中，光與影的對比強烈，舞台設置與舞者的動作完美呼應了江賢二作品中的精神性探索，其作品「百年廟」是不斷累加，「銀湖」卻是反向的一次倒空，一種復歸寂滅，「銀湖」一幕的舞台空間，一切歸於純淨、浩瀚無垠的地景，如同江賢二老師所說：藝術是一種淨化，是大自然、是空，是心靈的安頓。

《極境尋光》以江賢二的經典作品為藍本，透過聲景音樂與肢體舞蹈的結合，呈現了他對光的深刻理解與詮釋。節目分為數個段落，每個段落都有其獨特的藝術表現形式。音樂與舞蹈相互交織，透過多媒體影像、舞台燈光設計，營造出沉浸式的劇場體驗。 三項構件以不同的材料及透明度在舞台創造了豐富的空間層次，同時構件本身也是舞者之一，在舞台上與舞者形成動態的互動。「巴黎聖母院」半透明三角錐體代表未知的能量，漂浮於浩瀚的太空中，一種神與人之間的自我心靈追尋。布滿孔洞的折板在「百年廟」一幕中投射的孔洞光點，如同江老師畫中充滿希望的燭光。「比西里岸之夢」，實體與虛體的並置表達江老師由封窗的空間（實體）到無界限的大自然，畫作實/虛/實及輕重的轉變。 「至聖所」的再組構透過光影的投影，立體雕塑的形體及邊界不斷改變，表達模糊邊界的概念，重組及打開的過程如同將所有人的心靈收集於「至聖所」淨化，再打開返回自身的一種心靈安頓過程。

江賢二是一位出生於台中的著名藝術家，旅居海外30 年，回到台灣後繼續其創作生涯。他的作品深受 古典音樂的影響，充滿詩意與精神性，擅長透過光影與筆觸表達內心世界。他相信藝術能夠淨化人心， 並認為人心的進化在於找到靈魂的安頓點。通過藝術引領人們思考自我與自然的關係，作品畫面自帶溫 度，筆觸似流漾律動，對台灣藝術界有深遠影響。 在跨域製作中，如何讓純粹藝術的呈現與科技的結合達到完美平衡是一大挑戰。同時，要在維持江賢二 原作中的溫度與筆觸的前提下，實現不同領域創作者的藝術語彙。由於江賢二的作品以其獨特的精神性 著稱，設計團隊需要在保持原作的深刻內涵同時，通過音樂、舞台設計及聲光效果帶出創新的藝術語 彙，這在技術與藝術之間的拿捏上充滿挑戰。

節目內容也與自然界的和諧共生相呼應，尤其是江賢二作品中的光影變化，象徵著人類與自然間的相互依存。透過對光的深刻探索，作品引導觀眾反思如何在現代生活中與自然和諧共處，每一次的展演，都在不同的場域中重新詮釋光與空間的對話，讓藝術能量持續循環、重生。設計團隊深信，真正的藝術應該是永續的，不僅在物質層面實踐環保，更要在精神層面持續影響人心，讓每位觀眾都能在欣賞過程中找到屬於自己的「光」。 江賢二的創作，是一場從個人追尋走向集體啟發的旅程。他選擇遠離都會中心，落腳台東，將藝術帶回土地，以畫筆與光影回應自然、對話環境。這不只是地理的轉移，更是價值的重塑——讓藝術回到生活現場，成為連結地方與記憶的媒介。透過他的實踐，藝術不再高懸於畫廊，而深入在地文化，參與地方再造。他的作品源自對生命困境的凝視與昇華，在孤絕中尋找信仰與光明，也鼓勵人們在失落中看見希望。在全球化與價值流動的年代，江賢二以一己之力回應時代與環境，用藝術之光，照見人與土地、人與時代之間最深沉的情感聯繫。 此外，展演也有加開表演場次，從2023年高雄首演到2024年台中國家歌劇院的巡演，設計團隊始終堅持「永續製作」的理念，在舞台道具設計和服裝製作上，皆採用可重複使用的方式，避免一次性消耗。藝術不該是揮霍與浪費的藉口，而應該是永續傳遞、引發內心共鳴的媒介。